Hur man skriver, regisserar och redigerar din egen film

För att basera din film — Försök få en bra mening, som den du läser i en filmbeskrivning, för att basera din film.

Har du någonsin velat skapa din egen film? Att skriva, regissera och lära sig att redigera din egen film är ett skrämmande förslag, men det ger dig ultimat kreativ kontroll över din skapelse. Du borde vara redo att göra mycket arbete bara för att göra din film, men du bör också vara redo att ha mycket kul. Så ta några vänner, runda upp en kamera och gör dig redo att rulla - Hollywood ringer.

Metod 1 av 4: skriva din film

1
Komma på en idé. Om du inte har en fantasi som är lika stor som Oceanien, kommer detta att vara den svåraste delen. Att komma med idén till din film behöver dock inte vara en intensiv uppgörelse med Artistic Muse. Försök att få en bra mening, som den du läser i en filmbeskrivning, för att basera din film. Vad är konflikten, karaktären eller berättelsen du vill berätta? Tänk på några saker när du planerar:
- Mindre är bättre - om du skjuter detta själv måste varje extra karaktär, plats och specialeffekt finansieras och räknas ut någon gång.
- Vilken genre syftar du till? Komedi? Sci-fi? Drama? När du väl känner till din genre kan du börja tänka på plot och karaktärer som passar den.
- Vilka är filmkombinationer som du inte har sett? Även om det verkar barnsligt är nästan alla filmer och TV hybrider av andra filmer, TV och genrer. Till exempel är Twilight Vampire + Romance Novel. Har du sett en bra komisk western? Vad sägs om en stoner-sci-fi? Hur kan du matcha dina intressen på oväntade sätt?
- Var har du erfarenhet? Kan du kommentera det dagliga livet för en kontorsarbetare på ett originellt sätt? Vet du mer om skivgolf än någon annan? Finns det någon film i dessa upplevelser någonstans?
- Slå upp "log-rader" för dina favoritfilmer för inspiration. Dessa är liknande en mening sammanfattning av filmer som används för att sälja manuset till filmchefer. Du kan söka tusentals av dem online.
2
Uppfinna dina karaktärer. Tecken driver berättelser. Nästan alla filmer är resultatet av en karaktär som vill ha något men inte kan få det. Filmen visar sedan prövningar och prövningar av karaktären (arna) när de försöker uppfylla sina önskningar (få flickan, rädda världen, forskarskolan etc.) Publiken relaterar till karaktären, inte din film, så du behöver för att se till att du har genomtänkta karaktärer innan du börjar. Bra karaktärer:
- Är runda. Detta innebär att de har flera aspekter, inte bara en "arg man" eller "stark hjältinna". Runda karaktärer har styrkor och svagheter, vilket gör dem relaterade till publiken.
- Har önskningar och rädslor. Även om det bara finns en av var och en vill en bra karaktär något men kan inte få det. Deras förmåga eller oförmåga att komma över sin rädsla (för att vara fattig, för att vara ensam, för rymd utomjordingar, för spindlar, etc.) är det som driver deras konflikt.
- Ha byrå. En bra karaktär piskas inte eftersom ditt skript behöver dem att gå någonstans. En bra karaktär gör val som driver fram handlingen. Ibland är detta bara ett val som driver allt annat (Llewellyn, No Country for Old Men), ibland är det en serie bra / dåliga val i varje scen (European Hustle).
3
Skissa ut de viktigaste punkterna i din film. Vissa människor tycker om att komma med karaktärer och en förutsättning och sedan börja skriva. Alla manusförfattare ser dock värdet av 5-punktsplottet, där 5 viktiga, eskalerande ögonblick utgör filmen. Nästan varje film som görs följer denna allmänna struktur, från Jurassic Park och Just Friends, till Jupiter Ascending. ' Detta betyder inte att ditt skript måste följa den här mallen, men det finns en metod för galenskapen. Det finns 5 stora ögonblick i varje film som faller på exakt samma plats, och du behöver en god anledning att avvika från detta system om du vill vara "original:"
- Uppställningen: Vem är dina karaktärer, var bor de och vad vill de? Det här är de första 10% eller mindre av din film.
- Förändring av planer / möjlighet / konflikt: Något händer som sätter din konflikt i rörelse - Erin Brockovich får ett jobb, Superbad skolan gör en fest, Neo introduceras till The Matrix, etc. Detta är ungefär 0,33-märket för ditt manus.
- Ingen återvändo: Fram till denna tid arbetar karaktärerna hårt för att göra sina mål verklighet. Men vid halvvägs av filmen händer något som gör det omöjligt att vända tillbaka. En Bond-skurk attackerar igen, Gladiator anländer till Rom, Thelma och Louise rånar sin första butik, etc.
- Det stora bakslaget: Sedan ingen återvändo har insatserna blivit högre. För karaktärer och publik verkar allt hopp förlorat. Det är då flickan och killen går ihop i varje romantisk komedi som någonsin skapats, när Ron Burgundy får sparken i Anchorman, och när John McClane är misshandlad och blodig i Die Hard. Detta når 75% av din berättelse.
- Klimax: Karaktärerna gör en sista, all-out push för att nå sina mål, som kulminerar i deras största utmaning av alla. Detta är körningen genom flygplatsögonblicket, de sista hålen i Caddyshack eller uppgörelsen mellan hjälte och skurk. När de sista 10% av skriptet är löst binder de lösa ändar och visar följderna av klimaxet.
4
Skriv ditt manus. Om du själv producerar filmen kan du använda vilket skrivformat du vill. Dock kommer manusprogramvara som Celtx, Writer Duets och Final Draft att hjälpa dig att formatera studiokvalitet tillsammans med verktyg som är specifika för manusförfattare. Dessa program formateras automatiskt åt dig och är ett utmärkt sätt att veta längden på din film - 1 sida med formaterat skript motsvarar ungefär 1 minut skärmtid.
- Ge dig själv några anteckningar om saker som scenografi, landskap och skådespelare, men fokusera främst på dialogen. Du kommer att fatta de andra besluten senare, när du har kameror, skådespelare och platser.
- Förbered dig också på omskrivningar. Det är nästan omöjligt att få alla dina ögonblick - karaktärer, plot, teman, skämt, etc. - direkt i första genomgången. När du är klar återvänder du till manuset och försöker läsa det objektivt. Skulle du titta på den här filmen?
5
Läs en tabell för att förbättra ditt skrivande. Tabellavläsningar är viktiga för att finjustera ett bra manus och förbereda sig för film. Skaffa ett par vänner eller skådespelare och ge dem ett manus 2-3 dagar i förväg. Bjud sedan in dem och gör en torr körning av hela filmen och låt dem tala ut delarna medan du eller någon annan berättar om handlingarna. Gör anteckningar om alla rader som låter onaturliga eller besvärliga, där en scen blir kort och hur lång tid manuset tar att läsa.
- Fråga skådespelarna / vännerna vad de tyckte. Var blev de förvirrade, vad älskade de? Fråga dem om de kände att deras karaktär var genomtänkt och konsekvent.
- Försök att inte spela en roll och lyssna bara. Hör du att din film kommer till liv? Låter det som du hoppats att det skulle göra? Du vill höra dessa ögonblick nu, inte när kamerorna slås på.

Vad måste jag göra om jag vill skapa en film baserad på en officiell media?

Metod 2 av 4: förberedelse för produktion

1
Gör en lista över all utrustning och utrustning som du behöver. Att göra en film tar mycket utrustning, inklusive kameror, mikrofoner och lampor. Ta en snabb inventering av vad du har för utrustning och hitta sedan sätt att fylla i hålen:
- Kameror: Naturligtvis kan du aldrig filma en film utan en kamera. För de flesta filmer behöver du minst två kameror och helst 3. Med detta sagt har moderna kameraförskott gjort det möjligt att filma en film med en iPhone 6, så att du inte behöver släppa stora pengar längre. Det viktigaste för en professionell film är att ha kameror som spelar i samma format (till exempel 1080i), annars kommer videokvaliteten att förändras subtilt med varje klipp.
- Mikrofoner: Om du är i en bindning, spendera dina pengar på ljudutrustning: publiken har visat sig märka dåligt ljud innan dålig video. Medan du kan använda de anslutna kameramikrofonerna om du måste, är en Tascam- eller hagel-mikrofon alltid en bra investering.
- Belysning: Om du kan få en bra 3-5-delars belysningssats, använd den. Dessa lampor har en mängd olika funktioner och inställningar som hjälper dig att tända alla tänkbara situationer. Men 5-10 billiga klämlampor och förlängningssladdar har tänt många indiefilmer. Allt du behöver är lampor och olika glödlampor (volfram, frostat, LED, etc.) för att anpassa din scen.
- Viktiga tillbehör: Beroende på filmen behöver du minneskort, en reservhårddisk, stativ, ljusreflektorer, förlängningssladdar, svart tejp (för att täcka eller tejpa ner ledningar) och programvara för datorvideoredigering.
2
Skapa en storyboard för varje scen. Storyboards ser lite ut som grova serietidningar - du ritar det allmänna skottet och lägger sedan till dialogen som behöver sägas under. Du kan enkelt ladda ner mallar online och sedan rita in dem före en inspelning. Storyboards är som checklistor medan du filmar, vilket hjälper dig att fånga varje skott du behöver så att du, när du redigerar, inte inser att du plötsligt saknar något.
- Varje ram du ritar blir din skottlista - en detaljerad bok fylld med alla kameravinklar du behöver ta för att berätta din historia. När din storyboard är klar, kopiera den och lägg den i ett bindemedel för senare referens.
- Gör anteckningar om skärningar och övergångar och viktiga ljudeffekter. Dessa teckningar behöver inte vara konst utan de måste berätta historien om din film visuellt.
- Dessa kan kännas tråkiga, men de sparar tid på uppsättningen, vilket snabbt blir dyrt.
3

Hitta dina uppsättningar och platser. Det finns många tankeskolor om att välja uppsättningar, och ingen av dem har fel. Du kan bygga dina egna uppsättningar för ultimat kreativ kontroll, men det tar tid och mycket pengar. Du kan skjuta i hus och platser du har enkel åtkomst till, som din väns hus eller bakgård. Alternativt kan du hyra ut utrymmen som du älskar, få rättigheterna att filma på en skola, ett hotell eller en park. Oavsett vad du gör, se till att din uppsättning passar din film och låter dig och ditt team ta över platsen i flera timmar, ostörd.
4
Använd din storyboard och utrustningslista för att göra din budget. Det här kan vara det ögonblick som varje filmskapare hatar mest, men du behöver en realistisk uppfattning om filmens kostnad innan du börjar spela in. Du vill till exempel inte komma halvvägs genom att skjuta och inser att du inte har råd att hyra en bil för klimatjakten längre. Håll din budget enkel och realistisk. Behöver du verkligen tio stödpistoler, eller kan du göra med två? Kan du eliminera eller ändra en scen med 100 extra för att ha 10? Du måste budgetera för:
- Utrustning som du för närvarande inte äger.
- Rekvisita, kostymer och platser (som att hyra ut en balsal eller restaurang).
- Avgifter för besättning och skådespelare. Det är möjligt att få besättningar och skådespelare gratis, men det är sällsynt att få människor att hjälpa till i mer än 1-2 dagar utan lön.
- Mat och transportkostnader för dig, besättningen och skådespelarna.
- Vet att för en "professionell" inspelning med betalt besättning och skådespelare, bör du budgetera, minst 3730€ per dag.
5
Hyra skådespelare och besättningsmedlemmar. Du har dina karaktärer, din skottlista och nödvändig utrustning - nu behöver du någon som använder allt. Att casta skådespelare är ett personligt val - du kan hålla auditions med Craigslist eller tidningsinlägg, besöka lokala teatrar eller få dina vänner inblandade. När det gäller besättningsmedlemmar finns det en mängd olika inlägg som du behöver fylla i:
- Fotodirektör (DP): Förmodligen det viktigaste jobbet, de ansvarar för kameror och lampor. Medan du regisserar skådespelarna och ger det sista ordet om skottet hanterar de de tekniska aspekterna av filmen. Du behöver någon som förstår linser, kameror och belysning, även om det bara är en vän som fotograferar. Det är väldigt, väldigt svårt att effektivt tända en scen, plats, kameror, titta på skådespelare och ställa in landskapet samtidigt, så få någon som kan ta bort en del av lasten och låta dig regissera.
- Assistent Director (AD): Schemalägger skotten, ser till att skottlistan täcks, filmar små scener om regissören är upptagen. Kan hjälpa budgeten också.
- Kamera- och mikrofonoperatörer: Självförklarande men viktigt. Du kan inte göra en film utan dem.
- Makeupartist: Medan vem som helst kan göra detta är deras huvudsakliga jobb kontinuitet. Om det inte går mycket tid i din film behöver du skådespelarens ansikte och kostymer för att se identiska ut i varje scen, annars kommer publiken att märka förändringarna. Ta bilder varje dag av kostym, smink och scener för att se till att den ser likadan ut.
- Ljudtekniker: Lyssna på allt ljud när det spelas in och se till att det är rätt. De placerar också mikrofonerna för att plocka upp en dialogruta efter att lamporna har placerats.
- Linjeproducent: Kontrollerar platser i förväg, ser till att tillstånd och kontrakt skrivs och undertecknas.
- Produktionsassistent: Alltid användbara, dessa människor gör vad som helst som behövs - att laga mat och kaffe, torka av minneskort och till och med hålla en kamera när det behövs. Du kan aldrig ha tillräckligt med besättningsmedlemmar.
6
Teckna kontrakt. Det spelar ingen roll vem du jobbar med eller vad projektet är - få ett kontrakt undertecknat. Detta skyddar dig vid olyckor, tvingar lagligt folk att se din film till slut och förhindrar rättegångar om filmen plockas upp. Du kan söka på nätet efter "Actor Film Contract", "Producer Contract", etc. och skräddarsy det efter dina behov enkelt och fritt, så kom inte ihåg det här steget.
- Avtal är paradoxalt nog ett bra sätt att bevara vänskap. Istället för att argumentera över något senare kan du helt enkelt återgå till det du redan har skriftligen.
- Se till att du har en bestämmelse, särskilt för skådespelare, som kräver att de avslutar filmen när de börjar spela in.
7
Gör ditt inspelningsschema. Realistiskt, om du inte bara har några personer i ditt manus och 1-2 platser, kommer du bara att få 5-10 sidor av ditt manus gjort på en bra dag. För stora eller svåra scener får du bara 2-3 sidor. Ju mer tid du kan spendera på att filma desto bättre, men ju mer tid på att filma desto mer pengar kommer du också att spendera. Hur du balanserar detta beror på några faktorer:
- Vilka scener äger rum på samma plats? Kan du filma dem, även om de inte fungerar, samma dag?
- Vilka scener har massiva skottlistor? Att få dessa gjort först kan säkerställa att du får de "stora" scenerna som du vill ha dem.
- Är några bilder förbrukade om tiden / pengarna är korta? Sätt dem sist.
- Detta schema kan och kommer troligtvis att behöva vara flytande. Men ju mer du kan hålla fast vid det, desto bättre.

Be dem skriva ner saker de vill ha i filmen — Låt dina skådespelare titta över manuset och be dem skriva ner saker de vill ha i filmen.

Metod 3 av 4: filma din film

1
Förbered dig på allt i förväg. Du borde vara den första på setet och den sista som lämnar varje dag. Att filma en film är inte lätt, och du måste anta att allt som kan gå fel kommer att göra det. Skådespelare blir sjuka, vädret samarbetar inte och det finns hundratals små beslut (belysning, karaktärsplacering, kostymer) som måste tas varje timme. Det enda sättet att lyckas är att göra så mycket arbete du kan innan du ens börjar.
- Granska dagens skottlista. Vad behöver du få och vad kan du klippa om du får slut på tid?
- Öva med skådespelarna. Se till att de känner till sina linjer och hur du vill att de ska spelas.
- Granska belysning och kameraval med DP.
2
Låt alla veta vad som förväntas i början av skottet. Ge alla detaljerna på ett enkelt sätt direkt från toppen. Detta är särskilt viktigt för lågbudgetfilmer, eftersom du vanligtvis får skådespelare och arbetar gratis. Låt spelarna och besättningen veta dina mål för dagens inspelning och hur tacksamma de är för ditt stöd.
- Ge ut dagens schema i förväg så att alla är beredda.
- Låt besättningen veta om specialeffekter eller stämningar du tänker på och hur de kan hjälpa till att skapa dem.
- Granska din fotograferingsprocedur så att alla känner till deras roll.
3
Ställ in scenblockeringen. Blockering är där skådespelarna är och vart de går. Detta är det första steget till någon filmning, och det viktigaste - alla lampor, kameror och ljud kan inte placeras förrän efter det. Om scenen är väl inövad borde det vara enkelt. Om inte, måste du spendera lite tid på att placera skådespelarna på rätt platser.
- Håll det så enkelt som möjligt - gå i raka linjer, grundläggande ingångar och utgångar, och mestadels fortfarande positioner. Det är inte en lek och kamerorna kommer bara att fånga en liten bråkdel av hela scenen. Låt kameran göra rörelsen när det är möjligt, inte skådespelarna.
- Tejp kan placeras på golvet för att berätta för skådespelarna var de ska hamna efter varje skott.
- Du kan ofta förplanera med besättningsmedlemmar eller en detaljerad skottlista för att spara tid. Om du redan har skrivit ut blockeringen blir din shoot mycket mer produktiv.
4
Ställ in dina kameror. Det finns ett oändligt antal sätt att placera, flytta och använda dina kameror. Det är därför en skottlista, som i grunden är en lista över dina förutbestämda kamerapositioner, är viktig för att spara tid och pengar. I tidens intresse är de tre viktiga kameravinklarna i en dialogscen:
- Att etablera skott eller mästare: Att etablera skott innehåller alla scenens handlingar - de talande karaktärerna, uppsättningen och rörelserna. De är långa, breda bilder som, om något gick fel, kan du använda för att filma hela scenen, eftersom de fångar upp allt.
- 2-shot (2-kameror): En kamera över varje skådespelares axel och pekar på den andra skådespelaren. På så sätt får du titta på varje karaktär när de pratar.
- När du filmar tre eller flera skådespelare, försök att blockera den så att du har två tecken i ramen på en gång - så behöver du bara en kamera för att fånga deras dialog.
- Titta på några av dina favoritfilmer med ett krävande öga. Hur skulle till exempel en film fånga ett middagsdatum mellan två personer? Du kommer att märka dessa tre kameravinklar (en av dem båda + bordet, en av killen, en av flickan) mer än någon annan uppsättning bilder.
5
Ställ in dina lampor. Kom ihåg att det alltid är bättre att ha mer ljus än att ha mindre. Det är lätt att mörka en bild i efterproduktionen, men det är väldigt svårt att göra den ljusare utan att offra bildkvaliteten. Använd naturligt ljus till din fördel när det är möjligt och framför allt, håll det enkelt. Ditt mål är ett trevligt, gradvis utbud av ljus - djupa, mörka skuggor och väldigt få stora ljuspunkter.
- Sätt kameran i svartvitt för att se bildens ljusstyrka. Om det fortfarande är ett intressant tag i svartvitt ser det otroligt ut i färgen.
- Den ena och en halv timmen runt soluppgång och solnedgång anses vara den bästa tiden att skjuta i naturligt ljus. Belysningen är mjuk och jämn, och du kan till och med använda den här tiden för att belysa "nattliga" skott, som dämpas senare i efterproduktionen.
- Använd "praktiska" eller belysningsljus. Har du problem med att få ljuset rätt? Stick in en lampa i bilden eller sätt på taklamporna.
6
Lär dig hur man startar en shoot. Teknikerna för att starta en film varierar från uppsättning till uppsättning, men de bör inte variera från film till film. Att ha en rutin innan du börjar filma säkerställer att alla är på samma sida varje gång. När det är möjligt är detta AD: s plikt. Ett provrutin skulle inkludera:
- "Alla detta är bild, tyst snälla!"
- "Rulla ljud!" Detta är ledtråd för att starta mikrofoner. När du är klar ropar någon "Rullande!"
- "Rulla bilden!" Det här är ledtråden för att starta kameror. När du är klar ropar någon, vanligtvis "Speed!"
- Läs av titeln, scenen och ta nummer, "Detta är min film, scen 1, ta 2". Om du har ett clapboard slår det och någon ropar "Marker!"
- 3-5 sekunders tystnad.
- "HANDLING!"
7
Skjut din täckning när du har den scen du vill ha. Välj några extrema vinklar, intressanta bilder av miljön eller närbilder av karaktärens ansikten, händer eller rekvisita och kör scenen igen. Dessa bilder kan bara vara i 1-2 sekunder i filmen, men de är väsentliga för redigering. Titta på vilken film som helst och se hur många små, till synes värdelösa bilder används för att komma in i scenvärlden, visa en känslomässig ryck eller helt enkelt övergå från scen till scen. Film dessa skott när skådespelarna har levererat sina linjer till din smak.
- Pratar karaktärerna om kakan på bordet? Då behöver du ett skott av bara kakan på bordet. Behöver du visa vilken tid det är? Då behöver du en klocka på väggen.
8

Granska dina bilder varje dag och korsa din skottlista. Du kan behöva göra några offer beroende på din budget och tid, men även Hollywood-regissörer tvingas göra detta. Efter varje dag, se till att du har allt du vill ha och behöver, korsa det sedan från din skottlista. Du måste veta det nu, inte 3 månader senare när du börjar redigera, om något saknas.
9
Plocka upp b-roll-skott. B-roll är helt enkelt skotten som inte inkluderar skådespelare. Det används vanligtvis i övergångar, öppnar eller stänger krediter, eller ställer in en ny plats. Gå ut med en kamera och du DP och få så många timmar av bilder som du kan. Det primära målet är att tänka på bilder som kan komplimangera filmen. Till exempel är B-Roll in Punch-Drunk Love en serie abstrakta, flerfärgade skott som matchar huvudpersonens förvirrade, oroliga och förlamade mentala tillstånd. Spionfilmer har vanligtvis mycket B-Roll med underbara stränder, livliga städer och dramatiska landskap. B-roll berättar din historia subtilt och visuellt.
- Du kan aldrig ha tillräckligt med B-roll. När du redigerar är detta bindväven som håller samman dina scener för att skapa en legitim film.
- Du kan och borde skjuta B-roll före och efter att en scen "slutar", eftersom dessa 2-3 sekunder är ett utmärkt sätt att ta publiken in i scenen långsamt.
10
Säkerhetskopiera dina bilder varje dag. I slutet av fotograferingen ta dig tid att ta bort dina bilder från minneskort och ladda ner dem till en säker hårddisk. Detta lilla steg i slutet av dagen kan spara timmar och timmar i det olyckliga fallet att du tappar dina bilder.
- De flesta proffs använder mer än en säkerhetskopia och kopierar alla bilder till minst två källor innan de raderas något på minneskorten.
- Ta dig tid att ordna dina bilder också. Skapa en mapp för dagen du sköt och organisera sedan filmen i den mappen efter scen. Detta kommer att göra skytte mycket, mycket lättare.

Alla manusförfattare ser dock värdet av 5-punktsplottet, där 5 viktiga, eskalerande ögonblick utgör filmen.

Metod 4 av 4: redigera din film

1
Välj rätt redigeringsprogramvara för din film. Det finns många alternativ att välja mellan när det gäller programvara för videoredigering (kallas ofta icke-linjära redigeringsprogram eller NLE), från gratisprogram som iMovie och Windows Movie Maker till komplexa kraftverk av professionell kvalitet som Final Cut Pro och Adobe Premier. Vad du väljer att använda är till stor del en fråga om personlig preferens och vilken typ av projekt du arbetar med:
- Gratis programvara, som iMovie och Windows Movie Maker, är egentligen bara användbart för små filmer, vanligtvis allt under 20 minuter. De är inte utformade för att hantera mycket video- och kameravinklar och har ett begränsat antal övergångar och alternativ för effekter.
- Betald programvara är nödvändig för alla blivande filmskapare. Om du använder flera kameror på en scen, behöver smidig text, övergångar eller effekter eller bara vill ha ett professionellt program måste du investera i bra programvara. För närvarande är de tre "industristandard" -programmen Avid, Final Cut X och Adobe Premier, och var och en har en rejäl prislapp, ofta 300€ eller mer. Du kan dock ofta prenumerera på dessa program för en liten månadsbetalning.
2
Importera en scen till din videoredigerare. Med en kortfilm (under 20-30 minuter) kan du troligen importera alla bilder på en gång. Men om du gör en spelfilm eller bara arbetar med många kameravinklar, vill du redigera din film i bitar. Importera bara de bilder du behöver för scenen, samt eventuell relevant B-roll.
- Om du har flera kameror på samma scen, använd programmets alternativ "Sync" för att rada upp dem alla. Hitta dina program "redigeringsläge för flera kameror", vilket gör det enkelt att växla mellan flera bilder samtidigt genom att söka efter "[Ditt program] Multi-Cam Edit" online. Detta matchar alla kameror så att du inte behöver spendera timmar på att se till att varje klipp är i tid med sista bilden.
3
Använd dina första bilder för att ställa in scenens stämning och tema. De första skotten kommer att fastställa fokus för scenen. Du har ett nästan oändligt antal val, men några av de vanligaste inkluderar:
- Det etablerande skottet: Detta är det överlägset vanligaste sättet att starta en scen. Detta skott visar alla huvudaktörerna, scenen och platsen samtidigt. Detta gör att publiken får en känsla för scenen, och de kan sedan följa med resten av de nedskärningar som kommer.
- Karaktärfokuserad: Oavsett om de säger första raden eller inte, efter huvudpersonen i scenen berättar publiken att det är den personen de behöver uppmärksamma - något kommer att hända dem eller de kommer att få en viss insikt.
- Ställa in scenen: Använd B-roll och bilder från rummet / miljön för att få en känsla för platsen. Detta används i många filmer, särskilt skräck, där en scen kan börja med 5-6 läskiga bilder av ett hemsökt hus i farligt rum.
4

Bygg dialogen kring skådespelarens bästa bilder. Ompröva dina bilder och se vilka scener du gillar bäst - där alla träffar sina märken, dialogen känns naturlig och filmen är tydlig och i fokus. Om du kan hitta ett tag där allt är bra gjort, har du tur och ditt arbete kommer att bli mycket snabbare.
5
Visa varje karaktär när de levererar sina linjer. Denna regel är inte svår och snabb, men du bör nästan alltid börja med den. Därifrån kan du bestämma om det är viktigare att titta på en karaktär som lyssnar eller en karaktär som pratar. Titta på Whiplash eller There Will Be Blood för att få en bra uppfattning om var scenfokus ska ligga i dialogorienterade filmer.
- Den bästa karaktären att visa i en scen är vanligtvis en känsla. Vem känns det som måste vara fokus för linjen? Ger en skådespelare ett särskilt bra uttryck eller reaktion på något? Vart skulle dina ögon gå om du satt i rummet med skådespelarna?
6
Fyll i eventuella luckor / misstag från b-roll och andra tagningar. Ibland får du inte ett bra tag, och du måste kombinera mycket bilder för att få scenen att fungera. Det här är otroligt vanligt, men det borde inte vara svårt om skådespelarna träffar sin blockering korrekt varje gång. Det är när du lägger till detaljer och färg till scenen. Till exempel kan en karaktär erbjuda någon kakan på bordet, och du kan klippa till ett skott av kakan. Eller i en spänd förhörsscen kan du visa brottslingarna ansikte på nära håll, svettade och oroliga, innan du skär ner till nästa dialogruta.
- Det finns inget rätt sätt att redigera en scen, så länge du kommer ihåg att du försöker berätta historien framför allt annat. Låt bilderna prata så mycket som möjligt.
7
Justera tidpunkten för scenen för att ge den rytm. Redigering handlar om pacing och timing. Du behöver filmen för att flöda naturligt. Detta är anledningen till att redaktörer tänker i termer av enskilda ramar - stillbilderna på mikrosekunden du ser om du pausar skärmen - istället för sekunder. Många redaktörer arbetar av musik av den anledningen, redigerar ramarna så att de passar en takt eller sång och ger scenens rytm. Du behöver inte hålla fast vid den naturliga rytmen hos skådespelarna på skärmen, och i många fall borde du inte göra det. Att lägga till eller ta bort pauser, även med några tiondelar av sekunden, kan göra en bra prestanda till en fantastisk. Till exempel:
- Komiska, actionorienterade eller högenergiska scener har mycket snabb timing. Det finns inte mycket mellanrum mellan raderna, och orden faller nästan över varandra för att komma ut. Detta gör att scenen känns snabb och livlig.
- Spända scener är vanligtvis långsammare. Pauser dras ut, B-roll används tungt och skott hålls länge för att göra tittaren obekväm. För en mästarklass i långsam redigering, se 12 Years a Slave, särskilt den hängande scenen mitt i filmen.
- Det tar en mänsklig hjärna 3-5 ramar för att känna igen en bild. Det betyder att om du försöker vara för snabb med saker kan du bara förvirra publiken.
8
Lär dig de olika typerna av klipp som du kan redigera professionellt. Redigering är konsten att berätta en historia genom nedskärningar. Med andra ord är en film helt enkelt en serie videor som läggs i rygg mot rygg, och hur du skär från en till en annan är hur publiken uppfattar historien. Därför, hur du beställer klipp från en video till en annan är alla "saker" när du redigerar en film. De bästa nedskärningarna är sömlösa och berättar historien utan att publiken inser att vi har hoppat från en scen till en annan.
- Hård klippning - en omedelbar skärning till en annan vinkel, vanligtvis i samma scen. Detta är den vanligaste filmen.
- Smash cut - En plötslig övergång till en helt annan scen. Detta uppmärksammar klippningen, vilket ofta signalerar en överraskning eller stor förändring i handlingen.
- Jump cut - Ett abrupt snitt gjort inom samma scen, ofta med en något annorlunda vinkel. Dessa är sällsynta och visar vanligtvis förvirring eller tidens gång.
- J-cut - När du hör ljudet från nästa skott innan du ser videon. Detta är ett utmärkt sätt att länka två scener tematiskt eller ge berättelser.
- L-cut - När du ser videon från nästa bild innan du hör ljudet. Detta är ett utmärkt sätt att visa en karaktär som talar om något, som ett löfte, sedan gör det (eller bryter det).
- Action cut - En klippning mitt i en handling, som någon som öppnar en dörr, som "döljer" klippningen i action. Till exempel kan en karaktär flytta in för en kyss, och när huvudet passerar skärmen skär du till huvudet och går in i skärmen i en annan vinkel, vanligtvis personen som ska kyssas.
9
Sy ihop dina scener med b-roll och övergångar. När du väl har gjort dina scener är det dags att börja dra ihop dem. Om du har redigerat alla dina scener som separata filer, importerar du dem till ett nytt "Master Film" -projekt och placerar dem i ordning. Använd sedan din B-roll, täckningsbilder och övergångar för att få dem att flyta sömlöst tillsammans. Medan du ursprungligen tittade på scenens timing, tittar du nu på filmens timing - kan du klippa en scen här och där för att få saker att gå snabbare? Behöver du lite mer B-roll mellan scener för att ge publiken tid att reagera på ett dramatiskt ögonblick? Återigen - timing är allt.
- Det här är en bra tid att be en vän att titta på filmen med dig. Får de allt som händer? Finns det några plotpunkter som går förlorade i blandningen och behöver mer tid? Någon som är överförklarad och kan skära bort?
- Generellt, ju mer du skär, desto bättre blir filmen. Om en scen inte fungerar, och den inte lägger till något användbart för handlingen, bli av med den.
10
Korrigera färg och ljud på din film för att göra den professionell. När du väl har filmen så bra som den kan är det dags för den långa rengöringsprocessen. De sista och viktigaste stegen för en professionell film är färgkorrigering och ljudblandning. Även om det finns hela böcker skrivna om ämnet, är det bästa rådet att bara se till att allt ser konsekvent ut - scenerna har liknande belysning och färg och det finns inga ställen där ljudet är skarpt högt eller svårt att höra.
- Det finns många studior som, mot en liten avgift, kan betalas för professionell färgkorrigering och ljudmixning. Om du är osäker på hur du gör detta och vill ha en professionell film bör du absolut betala för professionell färgklassificering och ljudmixning.
11

Redigera för att berätta historien, inte för att vara prickig. Det finns många spännande, berömda och stiliserade filmer där ute som verkar vara en bra idé att kopiera. I synnerhet Quentin Tarantino och Guy Ritchie har sett sina animerade, kinetiska stilar i filmer som Pulp Fiction och Lock, Stock, & Two Smoking Barrels,utnyttjas av unga filmskapare överallt. Vad dessa människor inte inser är att regissörerna valde den stilen eftersom den passade filmen. Redigeringen ser enkel ut eftersom den helt enkelt låter berättelserna (kinetiska, handlingsorienterade berättelser) komma i centrum. Ditt främsta jobb när du redigerar är att låta historien berätta självklart. Du guidar tittaren, men tittaren bör inte på något sätt kommentera redigeringen. Den bästa redigeringen är osynlig.

Se till att de inte är så upprörande för din film — Försök att ha dem i en logisk ordning och se till att de inte är så upprörande för din film.

Tips

Försök skriva lite musik som passar din film. Det ger det bara den speciella handen.
Låt dina skådespelare titta över manuset och be dem skriva ner saker de vill ha i filmen. Försök att ha dem i en logisk ordning och se till att de inte är så upprörande för din film.
Många städer har hallar som kan hyras ut om du behöver en mer rymlig uppsättning.
Försök att ha kul på scenen eftersom det gör skådespelet lättare än att vara seriös hela tiden. Du kan till och med ha ett speciellt möte för dig och skådespelarna för att diskutera filmen, karaktärerna, uppsättningarna och kläderna du kommer att ha på dig och bara ge tankar om hur du kan göra filmen mer intressant.
Blekning och upplösning ser vanligtvis mer professionell ut än andra övergångar, som våtservetter eller vändningar.
Försök att lägga till dubbningsljud, det ger filmen en speciell touch.

Varningar

Men var försiktig med detta, eftersom solen som skiner på ryggen kan kasta skuggor i ditt skott.
Om du filmar utomhus kan solen slå kameran i dålig vinkel. Försök att undvika detta genom att skjuta på en molnig dag, eller rör dig tills solen vetter mot kameramannen.

Läs också: Hur skapar jag en animerad GIF?

Hur man skriver, regisserar och redigerar din egen film

Steg

Metod 1 av 4: skriva din film

Metod 2 av 4: förberedelse för produktion

Metod 3 av 4: filma din film

Metod 4 av 4: redigera din film

Tips

Varningar

Frågor och svar

Kommentarer (16)

Läs också: