Hur man filmar en film?

Börja varje dag med en översikt över de bilder och scener som behöver tas. Kör detta av hela besättningen och kasta på morgonen och fastställa exakt vilka sidor du ska skjuta. Detta bör också vara känt i förväg, men det är ett bra sätt att få alla på samma sida. Om detta är den allra första skjutdagen, granska roller och ansvar med varje besättningsmedlem. Ett kommunikativt besättning är effektivt, så sätt ett gott exempel först.

• Du borde bara förvänta dig att skjuta högst 5-6 sidor om dagen i en fullständig produktion.
• Vissa möten är mer avgörande än andra - du kommer sannolikt att vilja prata med din fotografchef varje morgon om stämning, belysning och bilder samt att prata med huvudaktörerna om deras linjer.
• Ha en reservplan - om ett skott går för långt, vilka andra skott skär du från dagschemat? Om du har extra tid, vilka scener kan du spela utöver schemat?

Arbeta med skådespelarna för att skapa blockering först. Blockering är vart skådespelarna går, hur de rör sig och när de gör det. Medan du bör vara uppmärksam på ljus, kameror och ljud kan dessa justeras så att de passar scenen när du först vet var skådespelarna kommer och var de levererar sina linjer. Håll fortfarande blockeringen så enkel som möjligt. Kameror fångar bara en liten bit av uppsättningen, och krånglig koreografi gör alla andras jobb mycket, mycket svårare.

• Om det hjälper, använd tejp för att markera var skådespelarna behöver hamna efter varje scen.
• Du behöver inte huvudaktörerna för alla blockeringsförberedelser. Om du kan använda besättningsmedlemmar för att experimentera med blockering i förväg kan du helt enkelt rikta skådespelarna till deras fläckar när de kommer på set.

Arbeta med din fotograferingschef för att ställa in kameravinklarna. Om du gör din egen film är det bästa rådet att betrakta varje skott som ett rörligt fotografi. Om du ställer in den som en övertygande stillbild får du en övertygande slutbild. Försök inte flytta skott utan utrustning som steady-cams och en dolly om du inte vill ha ett avsiktligt skakigt skott (a la Blair Witch Project). För nybörjare finns det bara tre bilder du behöver behärska, och de kommer att fungera i nästan varje scen:

• Mästare: Detta är ett stort vidvinkelbild som fångar hela eller nästan hela handlingen i scenen utan att behöva röra sig.
• Två-skott: En kamera går över varje skådespelares axel i en konversation, så att du kan hoppa från ett perspektiv till det andra. Om det finns 3 eller fler personer i scenen, försök att passa minst två personer i varje skott. Dessa två kameror bör täcka hela dialogen.
• Att skapa skott: Dessa är vanligtvis de första skotten i scenen, som används för att placera publiken i scenen (som att följa en karaktär genom en krogs dörr). I vissa fall kan din mästare fungera som ett etablerande skott.

Tänd bilden när kamerorna och skådespelarna är inställda. Medan det finns vissa människor som gillar att ställa in både kameror och lampor samtidigt, måste du vanligtvis justera lamporna när du känner till dina slutgiltiga kameravinklar. Att tända en filmset är en konstform i sig, en som tar år att bemästra, men nybörjare eller oberoende filmskapare kan i allmänhet spela med två belysningsstilar:

• Realistiskt: Du vill ha många diffusorer, studsa ljus från väggar och tak. Du siktar på jämn belysning över hela scenen. Ett bra sätt att kontrollera detta är att sätta bilden tillfälligt i svartvitt. Du borde ha fina, djupa svarta och ett brett utbud av gråtoner, med bara lite ljusvitt för kontrast. Försök använda "praktiska" - som är inbyggda lampor som lampor eller takfläktar, för att hjälpa till.
• Konstnärligt eller dramatiskt: Använd stora lampor, färgade lampor och skarpa kontraster för att göra slående, nästan orealistiska kompositioner, som de i Sin City, eller till och med "Her". Medan dramatisk belysning alltid är kul att leka med, se till att det finns ett syfte med det om du avviker från realism.

Placera dina mikrofoner sist och se efter oavsiktliga skuggor eller exponerade mikrofoner. Även om bra ljud är utan tvekan viktigare än bra video för en professionell inspelning, måste det fortfarande gå sist så att det inte tränger in på satsen. Liksom alla jobb på uppsättningen är filmljud ett svårt och nyanserat jobb, men det betyder inte att nybörjare inte kan göra ett bra jobb. Beroende på din utrustning kommer du att ha olika jobb:

• Bommestång: Detta är en kraftfull mikrofon på en lång metallstång. Vanligtvis hålls den över kamerans linje med mikrofonen som pekar nedåt på skådespelarens ansikten. Det plockar upp otroligt ljud, men det måste flyttas till vinkel oavsett vilken skådespelare som talar.
• Lavaliere-mikrofoner: Dessa sitter fast på skådespelaren diskret, som de små mikrofoner som ses i dokumentärer. Det finns många som kan tejpas på en skådespelares bröst, under skjortan.
• Hagelgevärmikrofoner: De billigaste och enklaste mikrofonerna att använda, dessa placeras helt enkelt på kameran under fotografering. De är nästan alltid bättre än kamerans anslutna mikrofon.

Börja varje skott med en professionell checklista för att förbereda besättningen. Följande dialog används, i någon form, på nästan alla filmuppsättningar. Du kan anpassa den efter dina egna behov och skjuta, men du bör alltid gå igenom dessa kontroller, oavsett hur du säger det.

• "Det här är en bild, tyst på uppsättningen! "
• "Rulla ljud!" Detta är ledtråd för att starta mikrofoner. Ljudpersonen skriker "rullande!" när redo.
• "Rulla bilden!" Det här är ledtråden för att starta kameror. När varje kameraperson (eller DP) är redo, skriker de "Speed!"
• "Detta är fantastisk Wiki-film, scen 1, ta 2." Slå klaffbrädan eller bara klappa när du är klar.
• Ge 3-5 sekunders tystnad, vilket gör det mycket lättare att redigera filmen.
• " ÅTGÄRD!"

När du har alla linjer och viktiga åtgärder, plocka upp din "täckning. " Det här är de små bilderna som är lätta att glömma men utgör mycket mer av filmer än du kanske tror. Till exempel, när en karaktär kontrollerar deras klocka, kan du klippa till en närbild av handleden som visar tiden. Du kan också prova några extrema eller roliga kameravinklar för specifika linjer eller ögonblick, eller ställa in några konstnärliga bilder för introduktioner och scener.

• Tänk på vilka skott som är viktiga för att berätta din historia - till exempel ett skott av ett test som din huvudperson bara sa att de misslyckades, en tickande klocka etc.

Granska dina bilder i slutet av varje dag och notera eventuella ombildningar. I en perfekt värld behöver du inte fotografera någonting och i slutet av dagen kommer du att ha användbara, perfekta bilder för varje scen. Men i filmens galna värld är dagen sällan så enkel. Oavsett om du ska fotografera eller inte är ofta en bedömning beroende på din tid, budget och aktörer. Du måste väga hur mycket du behöver skottet mot vad det kostar att skjuta igen.

• Ju tidigare du tittar på dagens bilder, desto snabbare kan du korrigera misstag om du behöver.

Undvik att använda patenterade logotyper, varumärken och upphovsrätt som möjligt. Om du har en Pepsi-logotyp mitt i dina scener kommer du faktiskt att skada dina chanser att komma in på filmfestivaler. Varför? Eftersom du skulle vara skyldig Pepsi pengar om filmen köptes, eftersom de har varumärket. Detta inkluderar också musik, vilket innebär att du inte kan använda din favoritlåt Red Hot Chili Peppers om du inte kan betala för den.

• I en nypa är tejp och permanenta markörer ett utmärkt sätt att täcka över logotyper på föremål som du inte kan flytta, som en ugn eller ett kylskåp.

Skriv kontrakt, även om du bara filmar med vänner. På en lång film kan du förlora veckors arbete om en viktig rollmedlem går upp och går halvvägs igenom. Kontrakt kan kännas opersonliga, men de är helt uppenbara - ett kontrakt gör att du kan vara vänner genom att alltid veta var varandra står. Det är för mycket att göra på en filmuppsättning som den är - lägg inte till bråk eller oroa dig för betalning och scheman också.

Sätt av tid för att plocka upp b-roll, det bindande materialet som fyller i mellan scenerna. B-roll anses i allmänhet vara bilder som inte har några talade linjer och icke-väsentliga bilder som hjälper övergången genom scener. Titta på några filmer och lägg märke till de små, 1-2 klipp, vanligtvis mellan scener, och notera hur de visuellt rör historien med. Tänk på det som bilderna utanför bilen i en bilfilm, de snygga bilderna på James Bonds nya bil och alla andra rent visuella utsmyckningar eller scener.

• Var kreativ med B-roll, det här är du och DP: s chans att vara snygg med mycket mindre stress.
• Se till att din b-roll passar tonen eller tenoren i filmen. Punch Drunk Love använder ljusa, abstrakta färger för att indikera humörsvängningar. Skräckfilmer använder långsamma, mörka bilder. Actionfilmer använder skarpa, extrema och dramatiska landskap etc.

Skapa och hålla reda på en budget. Filmer blir snabbt dyra, men det värsta som kan hända är att ta slut på viktiga medel med bara 10 sidor kvar att spela in. Du måste budgetera allt avsevärt när du är klar med förproduktionen, inklusive:

• Cast och besättningslön och mat
• Rättigheter till musik våra ljud
• Transport
• Rekvisita och kostymer
• Filmutrustning

Säkra en redaktör för din film. Det finns många människor som inte tror och regissören borde redigera sitt eget arbete. Varför? Eftersom redigering handlar om att hänsynslöst klippa ner filmen till bara de bästa delarna, och de flesta regissörer är för fästa vid materialet för att klippa den objektivt. Du kommer naturligtvis att ge vägledning och titta på grova nedskärningar och ge anteckningar, men du bör leta online för en annan redaktör som hjälper dig att ta dig igenom de 100-talstimmar du har.

• Var redo att titta på filmen hundratals gånger. Det kan också hjälpa till att ta med en betrodd vän eller två att lägga märke till saker som du och din redaktör kan missa.
• Beroende på din redaktörs skicklighet kan du behöva en ljuddesigner för att skapa ljudeffekter och hitta och placera musik.

Låt filmen behärska och färga betyg. Detta kostar vanligtvis cirka 750€-3730€ för en film i full längd. Mastering tar ljudvolymerna och balanserar dem i ett sammanhängande spår, så att allt är lätt att komma hit och att det inte finns några skurrande övergångar. Färgkorrigering säkerställer helt enkelt att varje bild ser likadana ut, fixar små problem och skapar en iögonfallande slutbild.

• Färgklassificering kan användas för att skapa scenens hela visuella stämning och motiv genom att göra den ljusare eller mörkare, mer levande eller mer dyster.